11月29日，享有中国诠释巴赫的领军人物美誉的钢琴家盛原，将在北京音乐厅为观众展示一场别样的跨界专场音乐会。在这场名为水中倒影的音乐会抽象影像中，摄影家唐凌用可视、朦胧、象征的摄影化作与盛原的钢琴演绎无缝衔接，让观众领略一场着色的德彪西音乐。此度盛原将着色的作品包括：《意象集》第一集、《贝加玛组曲》、《欢乐岛》。
从巴赫到德彪西
曾经用十余年光景潜心研究巴赫并身体力行实践完全巴赫的钢琴家盛原，此番称得上是首次跨界。盛原的钢琴演奏，从来都给人以沉着、严谨、精确的印象。因此，他此番跨界，也给人带来不少惊喜。
富于逻辑的巴赫与扑朔迷离的德彪西，哪一个更加靠近盛原的本来面目呢？
解答一、巴赫是我演绎道路上的必须，但不是我的唯一。
盛原坦言：在我尚未踏进美国曼哈顿音乐学院之前，我自认为更加擅长演奏是浪漫派时期的作品，比如肖邦、拉赫玛尼诺夫等。巴赫的音乐并不是抒发一个情感、描绘一个景象或者讲述一个故事，而是一座建筑。在这宏伟的建筑中，巴赫音乐的丰富情感都包容在理性设计的美与平衡的结构之中。巴赫音乐的最大魅力就是理性、逻辑与和感性的完美结合。巴赫是用有限的手段表达无限的意境和内容的。因此，巴赫对于我而言，是我钢琴演绎生涯中必须。
但是，除去巴赫之外，系统地演绎历史文献中的其他重要作曲家的作品，也是每一位职业钢琴家完善自我艺术的必须。近两年，盛原也开始从理性的巴赫向古典和浪漫派的几位大师转身。比如，今年7月，盛原又在中山音乐堂推出了完全肖邦。我以前一直是以弹奏肖邦见长，更喜欢演奏浪漫主义时期、偏感性的作品。其实，无论肖邦还是德彪西的作品，其作品中的浪漫诗意和色彩性，更加符合中国观众的审美。这也是为什么这几年我开始再次走进肖邦和德彪西。
从德彪西到跨界
邂逅摄影家唐凌并携手跨界德彪西，虽然不完全是因为亲情关系（唐凌系盛原的姐夫），但这种亲情关系也构成了十几年两人对音乐的共同爱好和默契。一年前，当盛原将联姻摄影的方式来解读德彪西音乐的想法透露给唐凌时，唐凌一拍即可并道出：这其实也是他个人的一个心愿。唐凌个人摄影作品以简约时尚的抽象风格而著称。这种风格与德彪西的音乐很接近。
解答二、德彪西的跨界更加彻底。
盛原认为，音乐中的‘跨界现象’，其实从肖邦已经开始了，只不过在德彪西的作品中展现得更加直接而已。比如他作品中的象征诗的寓意、绘画中的朦胧色等等.....
德彪西的作品与印象派绘画有异曲同工之处。在欣赏莫奈的某些绘画时，画中的实体朦胧、虚无缥缈，就像雾里看花，转瞬即逝。这种模糊的轮廓、微妙的色彩在德彪西的钢琴作品中同样能感受到。他的钢琴作品中，也有许多是以画而命名的：《欢乐岛》根据法国画家华特的名画《乘船赴西德尔岛》而作；《雾》根据一幅带有惠斯勒画风的速写而作；《阿尔汉勃拉的大门》来自一张小城景色的明信片……大自然对德彪西永远有着无可比拟的吸引力，德彪西甚至宣称：我把神秘的大自然当作我的宗教。在德彪西的音乐中，处处可见与大自然有关的标题：《月光》、《雨中花园》、《水中倒影》等。
演绎心中的德彪西
以视觉的画面演绎印象派的音乐作品，有很多先例。不过，此番摄影家唐凌和钢琴家盛原，希望用一种创造性的方式，来演绎各自心目中德彪西。
唐凌说：我们通常看到的视觉画面演绎德彪西或者说印象派的作品，往往是配上印象派的代表画作比如莫奈的《日出》等。但这一次，我是用自己对德彪西作品的理解，让自己的摄影作品来‘着色’德彪西。因此，这种视觉演绎，有了更多我对德彪西音乐的视觉‘再创造’过程。
对于是应该用视觉的摄影来解读德彪西的钢琴，还是应该用德彪西的钢琴来着色唐凌眼中的钢琴印象，盛原认为，这完全取决于现场观众的感知与参与程度。
其实，我很多年前演奏德彪西与现在从研究巴赫之后再来演绎德彪西，完全有了一种全新的体验。其实，德彪西的色彩手法中，其实有很多巴赫的‘对位’，只不过德彪西是用色彩来进行‘对位’了。因此说，德彪西的‘跨界’更加彻底，而巴赫则是彻头彻尾的‘理性音乐’。从这一点而言，两者的界限很清晰。当然，在我与摄影家唐凌的合作过程中，他的视觉角度，也为我的德彪西演绎启迪很多。
说的不如听的，听的不如现场体验的。盛原希望，通过这一次实验性的‘跨界’合作，能让听众们在视觉和听觉结合的音乐厅现场，主动参与到德彪西的音乐世界中，去构想更加广阔的印象空间，让德彪西的钢琴之声，插上摄影的翅膀飞得更高，更远。
